CORRIENTES CINEMATOGRAFICAS

    CORRIENTES        CINEMATOGRÁFICAS 

EXPRESIONISMO ALEMAN

El Expresionismo nace a principios del siglo XX en Alemania. Es una corriente artística que busca la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva y que nace debido a la necesidad de los artistas de expresar su disconformidad con la situación existente en su país.

El cine expresionista se desarrolló mayormente durante la República de Weimar (1918-1933), o sea durante la primera democracia alemana. La película que abrió las puertas a una producción cinematográfica artística casi inexistente en Alemania y que daría las pautas estéticas y las temáticas que guiaran el camino del resto de los realizadores expresionistas es “El gabinete del Dr. Caligari” (1919) de Robert Wiene.

El cine expresionista alemán supo sacar un gran provecho de las sombras para dar connotación de lo amenazante, del presagio siniestro, y en gran medida convertirla en imagen del destino.

El cine expresionista se extingue hacia el año 1926, año en el cual Alemania alcanza una breve etapa de estabilidad económica y política. “Fausto” (1926) de F. W. Murnau y “Metrópolis” (1927) de Fritz Lang fueron los últimos exponentes del expresionismo en el cine. Luego el cine alemán tendería más al realismo y serian pocos los elementos del expresionismo que se seguirían utilizando en el cine alemán.

NEORREALISMO ITALIANO 

El neorrealismo italiano fue un movimiento cinematográfico que surgió en Italia durante la primera mitad del siglo XX como una reacción a la Posguerra. Tuvo como objetivo mostrar condiciones sociales más auténticas y humanas, alejándose del estilo histórico y musical que impuso el fascismo. siguiendo la línea del cine mudo, donde no había diálogos y los sentimientos de los personajes eran claves para entender la historia, el neorrealismo le dio más importancia a los sentimientos de los propios personajes que a la composición de la trama.

La estética neorrealista está basada en una motivación ética con respecto a la realidad. Dentro de este movimiento existen diferentes posiciones:

Más realista y católica: De Sica

Ala mucho más politizada, más cercana al marxismo: Visconti

En el surgimiento de este movimiento hay elementos que ya estaban en el cine italiano anterior, y otros que rompen:

Como antecedentes: Hay un cine realista que trataba de ser popular, un cine rural de los años 30, dramas o comedias, como los de A. Blassetti. Ej: Tierra Madre. Utilizan los dialectos regionales. También hay una comedia urbana que se centra en los problemas de las clases populares, como las de Camerini. Los primeros trabajos de Rossellini se moverán en ese entorno. Documentales a veces dramatizados, por ejemplo las condiciones de vida de los soldados: La nave blanca, Un piloto regresa. Estuvieron patrocinados por el ejército italiano de la época de Mussolinni.

Como rupturas: los directores neorrealistas se oponen de manera frontal a algunas de las convenciones del cine italiano de antes de la guerra: grandes epopeyas, ambientes literarios del siglo XIX, sobre todo en su vertiente melodramática, y, sobre todo, el conocido como cine de los teléfonos blancos.

DOGMA 95

Nace “como una operación de rescate para recuperar la pureza del cine”.

Se trata de un interesante experimento que, de alguna manera, pretende rescatar lo esencial del cine en cierta medida perdido por los intereses de una industria cinematográfica pendiente casi exclusivamente de lo económico y una perfecta operación de marketing: el lanzamiento del manifiesto, unido a unas primeras obras originales y de enorme nivel, funcionó perfectamente como vehículo publicitario. El objetivo del colectivo Dogma es purificar el cine rechazando costosos y espectaculares efectos especiales, modificaciones de post-producción y otros trucos técnicos. 

Reglas y objetivos conocidas como " el voto de castidad":

1.- Los rodajes tienen que llevarse a cabo en locaciones reales.

2.- El sonido no puede ser mezclado separadamente de las imágenes o viceversa.

3.-Se rodará cámara en mano.

4.- La película tiene que ser en color.

5.- Se prohíben los efectos ópticos y los filtros.

6.- La película no puede tener una acción o desarrollo superficial.

7.- Se prohíbe la alienación temporal o espacial.

8.-No se aceptan películas de género.

9.- El formato de la película debe ser el Académico de 35mm.

10.El director no debe aparecer en los títulos de crédito.

NOUVELLE VAGUE 

La Nouvelle Vague (1960):

El más emblemático e influyente de los estilos de los años sesenta. Surgió entre grupos de jóvenes cineastas de Francia y de otros países (Reino Unido, Polonia, Brasil, Alemania). Se propuso renovar, incluso regenerar, cinematografías consideradas en declive. Fue en Francia donde este movimiento tuvo mayor importancia y supuso una aportación muy decisiva para el cine francés. El término nouvelle vague (nueva ola) surgió de una encuesta periodística realizada entre la juventud francesa, y no tardó en aplicarse a los nuevos cineastas cuyas primeras películas se exhibieron en 1959 y 1960.

La Nouvelle Vague comienza a tomar forma en 1958, cuando Claude Chabrol dirige dos películas gracias al dinero que su mujer obtiene de una herencia. Serán las obras de Truffaut Los 400 golpes (1959) y Alain Resnais Hiroshima mon amour (1959) las que despertaron la atención y sentenciaron el advenimiento del nuevo fenómeno cinematográfico. El proceso de consolidación de la Nouvelle Vague quedó de manifiesto en el Festival de Cannes de 1959, donde resultaron ganadores: Truffaut recibe el premio a la dirección por su película Los cuatrocientos golpes ("Orfeo negro" de Marcel Camus fue galardonada con la Palma de Oro) y Resnais obtuvo un gran éxito con su obra Hiroshima mon amour.

Las películas surgidas durante 1959 se caracterizaban por su espontaneidad, con grandes dosis de improvisación, tanto en el guion como en la actuación; con iluminación natural, siendo rodadas fuera de los estudios y con muy poco dinero; pero rebosantes de entusiasmo, atravesadas por el momento histórico en todas las tramas.

Los jóvenes realizadores e impulsores de la Nouvelle Vague se caracterizaron por:

Poseer un bagaje cultural cinematográfico importante, obtenido en las Escuelas de Cine y en la Cinemateca Francesa.

Forjar su estilo a través de la crítica en la revista Cahiers du Cinéma. Se trataba de verdaderos cinéfilos, y sus películas se colmaron de referencias y citas de homenaje a sus realizadores más admirados, sobre los que incluso han escrito libros.

Defender el cine norteamericano de Howard Hawks, John Ford, Alfred Hitchcock, Samuel Fuller, etc., así como también el cine realista y visual de Jean Renoir, Robert Bresson, Jacques Tati, Max Ophuls, etc.

La preparación teórica y el deseo de renovar el cine les impulsó a redescubrir la “mirada” de la cámara y el poder creador del montaje, pues se reconocían férreos admiradores de Orson Welles.

Tratar en sus películas la condición humana desoladoramente aislada en el marco de la sociedad pequeño burguesa de la posguerra.

Considerar el cine como una especie de autoconocimiento personal, por lo que en sus películas aparecen claras referencias personales.

En definitiva, la contribución de la nouvelle vague supone una enérgica renovación del lenguaje cinematográfico al redescubrir la capacidad de la “mirada” de la cámara, el poder creador del montaje y otros recursos caídos en desuso. 

CINE OJO 

El cine-ojo nace a finales de 1919 en una Rusia recién azotada por la guerra civil. En un contexto de hambre y miseria, los artistas promovían una revolución artística, en consonancia con la social y política que se estaba llevando a cabo. Entre las características principales del cine-ojo destacan la búsqueda de la realidad y la espontaneidad; la ausencia de decorados preconcebidos, de actores profesionales, de maquillaje y efectos especiales. Atacaban duramente el cine de ficción, que se veía influido por la literatura y el arte dramático.Entre 1922 y 1923, Vértov y Svílova publicaron varios manifiestos en publicaciones de vanguardia, desarrollando su teoría del Cine-Ojo. Vértov y los otros miembros del grupo rechazan de plano todos los elementos del cine convencional: desde la escritura previa de un guion hasta la utilización de actores profesionales, pasando por el rodaje en estudios, los decorados, la iluminación, etc. Su objetivo era captar la "verdad" cinematográfica, montando fragmentos de actualidad de forma que permitieran conocer una verdad más profunda que no puede ser percibida por el ojo. 

CARACTERÍSTICAS

Conseguir una objetividad total e integral en la captación de las imágenes.

Captar las imágenes sin una preparación previa.

Piensa que la cámara ve mejor que el ojo humano.

Rechazo al guion, a la puesta en escena, a los decorados, a los actores profesionales.

Uso del montaje para unificar los fragmentos extraídos de la realidad.

CORRIENTE FRANCESA

La Escuela de los Annales es una corriente historiográfica fundada por Lucien Febvre y Marc Bloch en 1929, que ha dominado prácticamente toda la historiografía francesa del siglo XX y ha tenido una enorme difusión en el mundo occidental. Lleva su nombre por la revista francesa Annales d'histoire économique et sociale (después llamado Annales. 

 se caracteriza por haber desarrollado una historia que ya no se interesa por el acontecimiento político y el individuo como protagonista típicos del trabajo de la Historiografía contemporánea, sino, inicialmente, por los procesos y las estructuras sociales, y después por una amplia gama de temas que su acercamiento con las herramientas metodológicas de las Ciencias sociales le permitió estudiar. El historiador en esta corriente se adhiere a un modo de escribir la historia desde el planteamiento de problemas a resolver o preguntas a solucionar, postura heredada de las ciencias naturales exactas y, en segundo término, de las sociales.

UNDERGROUND

Los orígenes del cine underground estadounidense se sitúan en la década de 1940.El cine underground estadounidense es una corriente cinematográfica inscrita dentro de las vanguardias, directamente oposicional al cine clásico de Hollywood. Es un tipo de cine artesanal, no necesariamente narrativo, con una elevada autoconciencia artística y cauces de distribución propios.De este modo nació el llamado cine underground -subterráneo, en castellano-, llamado así porque sus mentores empezaron reuniéndose en una vieja estación de metro. Rodadas con bajos presupuestos y en 16 mm, las películas no sólo transgredían el lenguaje y los esquemas de narración cinematográfica tradicionales, sino que abordaban de forma explícita y sin cortapisas temas sociales considerados tabúes, como el sexo y las drogas. Como cintas emblemáticas de este movimiento se citan Sombras y Faces, de John Cassavetes. Otros pioneros del cine underground fueron George Manupelli y John Fles. Con frecuencia, artistas y estilos de éxito masivo han comenzado siendo fenómenos underground: es el caso de la psicodelia de los años 60, el hip-hop de finales de los 70, o el punk y el hardcore punk de los 70's y 80's. El camino también se recorre en sentido contrario: fenómenos ayer masivos pueden quedar mañana reducidos a grupos de culto.

CINEMA VERITE 

El cine de realidad (o cinéma vérité) es un estilo de cine que comenzó como una reacción europea hacia el sistema clásico de hacer películas. El cine de realidad suministra similares tipos de ilusión cinematográfica que se encuentran en los clásicos de Hollywood, pero que a causa de un relajamiento de las ataduras entre su estilo y los aspectos narrativos permite un realismo subjetivo aumentado y expresividad autoral.A causa de que el cine de realidad no siempre se explica a sí mismo, este a menudo tiene episodios complicados o divagantes, donde un personaje pueda vagar, encontrar algunas cosas, hacer algunas otras o decir algo sin una razón clara y sin una explicación definitiva.El cine de realidad trata los problemas sociales reales tanto objetiva como subjetivamente.El cine de realidad es un estilo de filmación que combina técnicas naturalistas que se originan en la realización de documentales, con los elementos típicos de la narración de películas de descripción o semi descripción. Su nombre proviene de una frase francesa que significa literalmente “Película verdadera”.

Lo estético del movimiento, que comenzó en 1950 y floreció en 1960, fue esencialmente lo mismo que el "free cinema" de mediados de 1950 y el movimiento Direct Cinema de los Estados Unidos, introducido por la Drew Associates. Incongruentemente en Francia y Québec es usualmente llamado “cinema directo”. Tomando prestado técnicas de los documentales (pero evitando el uso de un narrador) el cine de realidad apunta a un extremo naturalismo usando actores no profesionales, técnicas de filmación no invasiva, el uso frecuente de una cámara manual, el uso de localizaciones reales en vez del set de grabaciones y un sonido natural sin post-producción.

Las características de esta corriente cinematográfica provienen del documental, y más específicamente, de los documentales rodados con cámara portátil y un equipo de sonido sincronizado. Por esa razón, la tendencia que comentamos debe mucho al desarrollo tecnológico que se dio a lo largo de la década de los sesenta en el siglo XX. El diseño de equipos de filmación más pequeños y manejables fue indispensable para que los documentalistas ampliasen su margen de maniobra y, a un tiempo, desarrollaran un estilo narrativo capaz de influir en los cineastas dedicados a la ficción. En Estados Unidos, fueron los cultivadores del fotoperiodismo y el reporterismo televisivo quienes mejor respondieron a esta fórmula. 

FREE CINEMA 

El free cinema inglés. Movimiento de renovación en el cine que se sitúa dentro del marco temporal de “los nuevos cines”. Se desarrolla entre 1956 y 1966. Fue uno de los primeros en abrir el camino de la renovación del cine europeo y posteriormente a Norteamérica y otras latitudes.En el caso concreto del Free cinema, se puede hablar de la existencia de “un programa de presentaciones”, a iniciativa de un grupo de jóvenes que querían mostrar sus trabajos en público. El arranque de este cine estuvo en la tradición documentalista británica, que data desde los orígenes mismos del cine.Los nuevos cineastas británicos, los llamados jóvenes airados, critican el cine académico y de estudio que se hace en Inglaterra y demandan películas de compromiso social, que reflejen espacios laborales y conflictos cotidianos, quieren un cine anticonformista, con mayor libertad para la cámara y rodado en exteriores.

CARACTERÍSTICAS

Hacer un cine de tendencia realista.

Reflejar la realidad social con películas fuera de los estudios, y de bajo presupuesto.

Buscar mayor autenticidad y espontaneidad en el contacto con intérpretes, personajes y medio ambiente.

Utilizar una decoración deslucida, presentando ciudades oscuras y descubriendo a sus habitantes con toda su estrecha mentalidad y pareciendo felices en su apretado rincón del mundo.

El autor muestra la sociedad contemporánea y su relación con el individuo.

Hay un reconocimiento de la crueldad brutal como elemento de la conducta social.

BLAXPLOITATION 

Blaxploitation fue un movimiento cinematográfico que tuvo lugar en los Estados Unidos a principios de los años 1970 con la comunidad afroamericana como protagonista principal y que consistió en un boom de cine negro con bandas sonoras de conocidos artistas de la época.un género cinematográfico que en un principio estaba hecho por afroamericanos y para afroamericanos.Este tipo de cine nació en medio del gran éxito del cine de explotación y tenía como audiencia potencial público de raza negra de entorno urbano, aunando las características generales de varios subgeneros exploitation, como el "sexploitation", el "stoner", el "Shock exploitation", etc.

Esta década dorada del cine afroamericano es el fruto de un crecimiento progresivo tanto del público como de los artistas negros en los Estados Unidos. Hasta los años 1950, las películas hechas por negros y para negros estaban relegadas a una especie de ghetto cinematográfico que recibió el nombre de race movies. Ya en los años 1950, la industria permite a algunos actores negros alguna pequeña incursión en sus filmes, casi siempre en papeles secundarios. Uno de los actores más célebres de esta época fue Sidney Poitier.

Uno de los aspectos que merece la pena destacar de este género cinematográfico es el del papel de las mujeres.

NEW QUEER

New Queer Cinema es un movimiento cinematográfico nacido dentro del cine independiente de EE. UU. a principios de los años 90.La expresión New Queer Cinema fue utilizada por primera vez por la periodista B. Rudy Rich en un artículo publicado en 1992 en la revista británica Sight & Sound. En dicho artículo se analizaba la numerosa presencia de películas con temática homosexual en los festivales de cine del año anterior.Esta generación de cineastas destacó por el carácter radical de sus películas y por su forma de tratar las identidades sexuales, que desafiaban tanto el statu quo heterosexual, como la promoción de imágenes positivas de la homosexualidad que reivindicaba el movimiento LGBT. Estos directores no pretendían hacer un cine de buenos y malos o que sus personajes dieran buen ejemplo de la homosexualidad, sino poder reflejar la diferencia sexual sin autocensura y alejarse de las convenciones heterosexuales aplicadas al cine gay.

Una de las causas del carácter rebelde de estos realizadores fue que comenzaron a dirigir películas cuando la comunidad gay todavía estaba conmocionada por el impacto del sida y el neoconservadurismo promovido por Ronald Reagan, George H.W. Bush y Margaret Thatcher aún estaba vigente.

CINE POSMODERNO 

El posmodernismo surge del desencanto por las ideas del modernismo y es el movimiento de la tolerancia y la diversidad. Precisamente por ello, es la conjunción de movimientos que tienen en común el rechazo a “la razón”, negando la posibilidad de un conocimiento total y objetivo. Para el posmodernismo la única verdad posible es la subjetividad.La posmodernidad designa generalmente un amplio número de movimientos artísticos, culturales, literarios y filosóficos del siglo XX, definidos en diverso grado y manera por su oposición a la estética de la Modernidad. El cine posmoderno corresponde a la época actual y está basado en el eclecticismo y mezcla las características de diferentes estilos ya creados. En esta nueva era, después de los apocalípticos años setenta, y con la instauración de la violencia y contenidos conservadores en la pantalla, la seducción a través de la tersura de la imagen, los ritmos del montaje y la violencia del color se anuncian como estandartes de una nueva relación entre el cine y su público.Uno de los primeros géneros del cine posmoderno es la ciencia-ficción la que se convierte en uno de los vehículos ideales y retoma motivos del policial de los años cuarenta, la historieta y discusiones existenciales en Blade Runner (Ridley Scott, 1982), donde la trama dota de acentos trágicos a los perfectos pero efímeros replicantes, creados para ser esclavos.

La alquimia entre ingleses y americanos ha aportado al posmodernismo su fino sentido del humor y una poderosa imaginación visual.Elementos que posteriormente caracterizarían el lenguaje cinematográfrico a partir de los años 70 se encuentran desde el periodo mudo.Esa ruptura de la llamada "cuarta pared" que separa la obra proyectada del espectador, ya la rompió deliveradamente Winsor McCay con (Gertie the Dinosaur, 1914). También durante el mismo periodo de cine mudo apareció la la temática de la superrealidad, el spaghetti western fue de por sí un ejercicio de decostrucción del género western. 

CARACTERISTICAS

Alteración de la estructura clásica temporal, por medio del flash backs, simultaneidad de acciones, invirtiendo la relación causa-efecto, mezcla de formatos  o efectos de montaje.

El mensaje de la película está abierto a la interpretación personal de cada espectador.
Mezcla de géneros.
Desaparición del interés por mostrar una realidad creíble, forzando que sea evidente la naturaleza artificial del cine por medio de una iluminación, escenografía, vestuario etc. artificiosos.
Ruptura intencionada de la suspensión de incredulidad.
Decostrucción de los sistemas narrativos y de análisis de los esquemas sociales, familiares etc. así como de los convencionalismos y tradiciones culturales.
Intertextualidad muy evidente o referentes muy claros a obras anteriores.
Desmitificación de los héroes o humanización de los mismos.
Visión nostálgica del pasado.
Montaje rápido, barroco o agresivo.
Superrealidad. Creación artificial de seres, existencias o estados que se confunden o superan a los reales. Exploración de las fronteras entre realidad y ficción.
Protagonismo extremo de la imagen, por encima incluso del contenido. El cine posmoderno es un cine esteticista.
Metalingüismo. El cine, tanto como referente cultural como de su propio lenguaje, se convierte en protagonista. El cine posmoderno es cine sobre el propio cine.
Pesimismo o desencanto en el tratamiento de la historia.
Recurso del pastiche para disfrazar a las películas con una estética clásica.
Tratamiento excesivo del sexo y la violencia, mostrados sin tapujos. También hay tendencia a mostrar un vocabulario soez sin censura y no se ocultan las pasiones desenfrenada, tabúes sociales como las drogas y las situaciones humanas más extremas.
Tendencia a la parodia del cine precedente.
Popularización de los remakes, secuelas y continuación de sagas y adaptaciones de obras de medios artísticos populares, como el cómic, la televisión y el videojuego.
Relativización moral, que lleva a convertir en protagonistas a asesinos en serie sin ningún juicio de valor.
Distanciamiento moral. El director no juzga las acciones ni a los personajes, sino que los muestra sin valoraciones previas para que sea el espectador quien tome su propia opinión.
Sustitución del metarrelato o realidades absolutas por los "pequeños relatos", lo cotidiano, las pequeñas cosas.

Plasmación de las preocupaciones de la actual aldea global, como la multiculuralidad, la diversidad sexual, nuevos tipos de familia y la ecología.